Neo-Noir-Beat-Comedy. Lo qué?????

BAJO EL PESO DE LA LEY (Down By Law, EEUU 1986). Int.: Roberto Benigni, Tom Waits, John Lurie. Dir.: Jim Jarmusch

VIERNES 30 DE OCTUBRE - 22 HS

BIBLIOTECA LIDIA CESANELLI (24 de Setiembre 1080) Marcos Juárez

Entrada: $ 2

El director Jim Jarmusch (1953) ha definido a Down by Law (más cercano a "aplastados por la ley" que a "bajo el peso de la ley", tal como se la estrenó tardíamente en Argentina) como una "neo-noir-beat-comedy" en la que sus tres personajes, outsiders en todo el sentido del término, materializan la antítesis del sueño americano.

En pocas palabras, la historia nos presenta a tres tipos que caen en la misma pequeña y sucia celda carcelaria desde diversas situaciones confusas que hacen honor al famoso "tiene razón pero marche preso". Ahí van a desarrollar en la segunda parte del film, luego de una intro que nos muestra la calaña del trío, una relación parecida a la camaradería a la fuerza y más tarde las circunstancias que los llevan por un sendero de libertad entre el absurdo, posibles cocodrilos gigantes de un pantano y un delirante Benigni haciendo un soliloquio sobre cómo cocinar un conejo salvaje.

Como en prácticamente todos los films de JJ, la historia se plantea con un par de trazos y desde allí los personajes deambulan a la buena del dios de los fugitivos (noir) en la bellísima fotografía en blanco y negro de Robby Muller, siendo particularmente grandioso el larguísimo travelling inicial ambientado por Jockey full of bourbon, un temazo de Tom Waits (beat, como siempre casi al borde de Kerouac). Y justamente ese deambular nos es particularmente placentero cuando vemos que la cosa no va justamente para la seriedad (ahí está lo de comedy): tenemos un trío con el protagónico absoluto, más una pequeña aparición de la gran Ellen Barkin, compuesto por el citado Benigni, su vital y natural espíritu de payaso y su imposible inglés, Tom Waits haciendo de alguien muy parecido a Tom Waits y en tercer lugar a John Lurie, saxofonista de la banda de punk jazz Lounge Lizards y ocasional actor para JJ.

Down by Law es obra de un creador que influído por los clásicos, juega en las ligas menores en cuanto a presupuesto y línea argumental, es decir un minimalista en el buen sentido del término. Divertida y libre, a contramano de la industria y de las narraciones convencionales, se trata de un cuentito de perdedores que no están muy molestos de sus destinos y que comparten desde sus diametralmente opuestos carácteres una marcha forzada en busca de un final feliz.

AdP

Crítica recomendada:

http://www.filmaffinity.com/es/reviews/1/425271.html

DESAYUNO DE CAMPEONES

CAFE Y CIGARRILLOS (Coffee and Cigarettes, EEUU 2003). Dir.: Jim Jarmusch. Int.: Bill Murray, Tom Waits, Iggy Pop, Steve Buscemi.

BIBLIOTECA LIDIA CESANELLI - 24 de Septiembre 1085 - Marcos Juárez

Entrada: $ 2. Más barato que medio paquete de cigarrillos. E incluye un café!.

"Café y cigarrillos, desayuno de campeones", decía Jim Jarmusch en un momento muy divertido de "Blue in the face", suerte de secuela filmada al toque de la entrañable "Smoke" (1992), donde Harvey Keitel era Auggie, dueño de una cigarrería en una esquina de Brooklyn donde coincidía una caterva de personajes como en cualquier bar de aquí, Japón o cualquier rincón del mundo. Una suerte de pintada de aldea donde caía JJ, director independiente por antonomasia, a fumar su último pucho y hacer toda una oda al faso, como hacemos quienes lo queremos dejar como si fuera un amigo que nos hace mal.

Pero ya desde antes de ser invitado a esta cigarrería, este particular creador venía haciendo una serie de cortos relacionados al hábito del pucho y de tomar café. Conocer a Roberto Benigni cuando lo llamó para filmar Down By Law (1986) fue el puntapié para hacer uno junto a Steven Wright, extraño cómico de cara de piedra salido de la interminable cantera de Saturday Night Live. Allí coinciden estos dos tipos en medio de una montaña de colillas y cafés repletos de azucar.

En el tiempo JJ filmó otros hasta que los amontonó en COFFEE AND CIGARETTES, dada a conocer en 2003 y que fue, como casi todos los films de Jarmusch, objeto de culto mas no de reverencia masiva. Así es que en este rescate de lo desconocido que a veces practicamos en Aojoyeno, el viernes nos vamos a encontrar con un puñado de situaciones ya que no sketches, porque estas viñetas no tienen remate alguno sino que son simplemente conversaciones como las que muchas veces tenemos en los bares cualquiera de nosotros.

Mala idea la de Iggy Pop, recomendarle un joven batero a Tom Waits. "O sea que vos decís que yo no tengo un buen baterista eh?"

Sí se puede concluir que muchos de los actores y músicos que pasan por la cámara de JJ dejarán la piel y estrujarán el ego en una sátira fatal sobre sí mismos: así, desfilarán el gran Bill Murray más impertérrito que nunca sirviendo café a dos raperos que lo gastan con Los Cazafantasmas, su primer gran éxito, Tom Waits le cortará mal el rostro a un despistado Iggy Pop, o Steve Buscemi (figurita noble y señera del cine independiente) intentará lograr comunicación con Joie y Cinque Lee, hermanos del director Spike Lee. Por otra parte coincidirán dos actores ingleses actualmente trabajando en Hollywood, Alfred Molina y Steve Coogan, con este último despreciando al pobre Alfred que quiere hacer pie en la meca del cine, y veremos a ese gran camaleón femenino llamado Cate Blanchett, muy de moda hoy, enfrentada a una prima que ella misma encarna, y un par de cuadros más, uno de ellos con los White Stripes.

Si bien en casi todos los films de Jarmusch pareciera privar la improvisación de los actores, no todo ha sido un desmadre a la buena de Dios, y todo va desde conversaciones banales hasta absurdas o divertidas, tal vez un experimento de un director que desde sus comienzos ha mantenido una línea propia y libre de hacer cine.

AdP

Link crítico recomendado: una info donde JJ comenta Coffee and Cigarettes y que complementa este humilde adelanto y es mucho más interesante: http://scribd.com/doc/7071382/Cafe-y-Cigarrillos

Al fin, el nuevo cine argentino !!!

ANA Y LOS OTROS (Argentina, 2003). Int.: Camila Toker, Juan Cruz Díaz. Dir.: Celina Murga. Dur.: 80' .
VIERNES 2 DE OCTUBRE - 22.00 hs-BIBLIOTECA LIDIA CESANELLI. 24 de Septiembre 1085

Entrada: $2

Sinopsis:

Ana, una mujer de veinticinco años, regresa a su ciudad natal luego de ocho años de ausencia. La búsqueda de un novio de su adolescencia convierte a este viaje en una interrogación sobre la identidad y el amor.

Link con comentario recomendado: http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/5-1563-2006-01-19.html

Cóctel de cinefilia y sangre. Bon appetit!

PERROS DE LA CALLE (EEUU, 1992).
Int.: Harvey Keitel, Tim Roth, Steve Buscemi, Michael Madsen, Quentin Tarantino.
Dir.: Quentin Tarantino. Dur.: 99' .

VIERNES 18 DE SEPTIEMBRE - 22.00 hs-
BIBLIOTECA LIDIA CESANELLI. 24 de Septiembre 1085
Entrada: $2

Quentin Tarantino acaba de estrenar su nueva película, Unglorious Basterds, para ampliar el culto a un director "cool", con alma de amateur, que sin dejar su estilo triunfa o al menos tiene su pedestalito en el cine mayor e industrial de Hollywood. No muchos pueden: Coppola, Scorsese, tantos otros maestros cada vez que se metieron en la industria tuvieron que colgar sus medallas en el playón del estudio de filmación, dejando proyectos muchas veces impersonales cuando no vergonzosos.

QT es un tipo perfecto para lograr en un cineclub una suerte de efecto espejo interminable: él mismo es una suerte de monstruo alimentado de una juventud vivida entre videoclubes y salas de mala muerte (grindhouse), y ver una película suya daría para hablar el doble de lo que dura el film, ya que más allá de un estilo propio nada despreciable, el licuado de influencias en cada una nos pasea desde el cine más barato y berreta hasta Godard. Ver al mismo Q en una entrevista es en sí un especátulo: no para de hablar y gesticular y citar (como en sus films) a sus adorados maestros, desde John Ford hasta Enzo Castellari, desde Ringo Lam y todo el más brutal cine oriental hasta Brian DePalma. Se nota que se debe divertir a lo loco en cada uno de los planos que filma. Y eso lo transmite.

Perros de la Calle fue su explosivo debut en 1992 y ya en su primer secuencia tenemos concentrado toda la biblia tarantiniana: los diálogos, los nombres de los personajes, el paseo de la cámara por la acción. A partir de una historia tan transitada y trillada como atrapante como puede ser un asalto frustrado a un banco, QT mete a sus seis protagonistas y a la historia misma en una moulinex donde vamos para adelante y atrás en aras de armar (o desarmar??) la historia, cómo se gestó, qué falló y si en verdad hay un botón que avisó a la cana. En el medio condimentan el trámite los rostros sudados, tensos y sangrientos de los asaltantes. Homenajes al cine negro, al cine de los años 70 -una constante del autor-, y las consabidas citas gráficas que llegaron al colmo de lo notable en Kill Bill y Deathproof, verdaderos collages de influencia como si pudiéramos ver los posters favoritos de un joven QT colgados en su habitación. Uno de los chiches que nos muestra y que mejoraría aún más en Pulp Fiction, es la subversión en el desarrollo de la trama.

Después de esta escena de Reservoir Dogs, aunque pase el resto de su carrera haciendo de Peter Pan, Michael Madsen pasará a la historia como uno de los sádicos más repugnantes del séptimo arte.

Harvey Keitel, actor de la escuela de dientes apretados si la hay, apostó por Q y no solo protagonizó sino que puso dólares necesarios para esta ópera prima. El dream team de duros lo completó el inglés Tim Roth, el maravilloso Steve Buscemi, Michael Madsen (que tiene a su cargo una de las escenas más crueles y violentas del cine en este film) y el mismo QT, que será medio queso como actor pero bueno, tampoco arruina este mix de cinefilia. Y atenti, de melomanía: que Q -según propias palabras- piensa sus films al mismo tiempo que en la banda de sonido, recurriendo a su poblada musicoteca para reforzar ideas. Allí se repite todo lo que dijimos en cuanto a influencias: prima un vintage setentero de éxitos efímeros junto a sonidos de western spaghetti.

Resumiendo, cuando el cine confunde cada vez más entretenimiento con bombardeo a los sentidos, esta primer incursión de Tarantino nos muestra a un verdadero autor divirtiéndose, creando desde la diversidad, y todo eso sin tomar por giles a los espectadores. No es poco.

AdP

AQUEL CUIKI ALLA ITALIANA

SUSPIRIA (Italia, 1977). Int.: Jessica Harper, Stefania Casini.

Dir.: Darío Argento. Dur.: 95' .

VIERNES 21 DE AGOSTO - 22.00 hs-

BIBLIOTECA LIDIA CESANELLI. 24 de Septiembre 1085

Entrada: $2

Como en otros tantos géneros (el más conocido el "western spaghetti"), el cine italiano tuvo en las décadas 60 y 70 su versión propia del horror. Así, pudimos conocer obras que se mantuvieron en el tiempo como clásicos indiscutibles, entre ellos los western italianos "El Bueno, El Malo y El Feo" y "Erase una Vez en el Oeste", donde el gran Sergio Leone metía a Clint Eastwood y a Charles Bronson respectivamente en su propia visión del oeste, revisando un género absolutamente norteamericano como las películas de vaqueros y logrando joyas hoy sagradas del séptimo arte.

En el lado del cine de horror la cosa vino más bizarra: los tanos haciendo este cine tendieron a la exageración, los extremos sangrientos y climáticos y, como en el caso de Leone, algunos también sentaron bases para que hoy genios como Quentin Tarantino o en otros aspectos el perturbador David Lynch crecieran bajo el loco influjo de estos autores. Darío Argento es uno de esos desmadrados que homenajeamos en este caso.

Argento (1940) debutó con un par de thrillers muy inteligentes, hitchcockianos y con referencias animales. Son ellos "El Pájaro de las Plumas de Cristal" y "El Gato de las Nueve Colas". Con el tiempo fue subiendo la apuesta para el lado del terror y terminó por convertirse en el maestro absoluto del horror gótico y expresionista -con influencias de aquel primitivo cine alemán- sin ahorrar dosis de sangre y alimañas varias. Prueba de esto fueron "Rojo Profundo", paso decisivo del suspenso al susto, y esta "Suspiria" que se convirtió en un referente total del spaghetti horror.

Tenemos que decir que don Darío, quien en apariencia semeja a un hermano mellizo de Zulma Lobato con lo que ello pudiera denotar sobre su personalidad, con el tiempo fue quedando como un maestro que repite varias veces la receta y es por ello que nos quedamos con esta etapa de éxtasis creativo, donde echando mano al rostro temeroso de Jessica Harper (quienes vienen al Ojo recordarán "Un Fantasma en el Paraíso") nos muestra a una joven bailarina norteamericana que llegada para tomar clases en una escuela europea descubre que cosas muy terribles están sucediendo con las estudiantes.

Lo atamo con alambre. A las chicas de la escuela de danza les pasan cosas muy terribles.

Eso sí, no esperemos que Argento nos explique por qué

Característica de Argento es que la trama importa menos que el clima, subrayado como siempre por música entre surrealista y climática que termina sobresaltando al espectador más impávido, cortesía del grupo italiano Goblin, que son casi como de la familia de don Darío (una suerte de secuela de Suspiria tuvo música nada menos que de Keith Emerson, de Emerson, Lake & Palmer, otra cumbre gótica). A la vez, el encuadre y la iluminación y fotografía con una paleta de colores hiperexpresionistas también contribuyen a este enrarecido viaje que propone el director italiano, cuando mucho más tarde tantos críticos brillantes descubrieron algo similar a través del británico Peter Greenaway, aunque ya no dentro del cine de terror (ej.: El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante).

Jessica Harper, casi un rostro de duende temeroso. Un Fantasma en el Paraíso (de Brian DePalma, otro maniático de los miedos) y este film fueron casi sus únicos protagónicos. Hoy escribe cuentos para niños!



En esta oportunidad queremos, dentro de los varios cambios en el rumbo genérico de la programación de A Ojo Yeno, introducir otro sub-género que hizo historia en el cine clase B, y donde también se destacan otros nombres como Lucio Fulci ó Umberto Lenzi, todos maniáticos de los excesos gráficos. Advertencia casi innecesaria, teniendo en cuenta las cosas que hoy vemos en tele: los muy miedosos, abstenerse.



Andrés del Pino


LINK SUGERIDO: un recomendable análisis de Suspiria, casi hasta hilando muy fino, en el siguiente sitio: http://www.judexfanzine.net/v3/fitxa.php?id=173

El cine del pueblo

MUESTRA "MADE IN CASA". DOS PELIS HECHAS EN MARCOS JUÁREZ

PLUS: GALERÍA DE FOTOS ARTÍSTICAS, POESÍA Y MÚSICA

DOMINGO 16 Y LUNES 17 EN EL HONORABLE CONCEJO DELIBERANTE

El día domingo 16 y lunes 17 de Agosto, a las 18hs. en el Honorable Consejo Deliberante, de forma gratuita, se realizará la muestra “Made in casa” donde se proyectarán los cortos, “Vecinos en acción” y “En la espera desespera”.
Esta muestra es colectiva, donde podrán encontrar fotografías artísticas, poesías, música, cortos y más; realizados por artistas de Marcos Juárez.
Tenemos un invitado especial de la ciudad de Leones, que expondrá su habilidad en formar con objetos, imágenes de personas conocidas.
La unión de estos artistas se consagra, con el fin de ayudarnos a realizar otro corto, por eso le pedimos a la población colaboración.


Los Cortometrajes que pasaremos son hechos en Marcos Juárez:


“En la espera desespera”


Dirección y producción: Silvana Bittel
Asistencia de producción: Kiki Brisiguelli
Asistente de dirección: Hugo Lerda
Iluminación: Martín Mazza
Cámara: Lisandro Bauk
Asistencia gral.: Lucas Gotero, M. Laura Cardinalli, Fernando Criado y Manolo Ardid
Decoración de interiores: Juan Carlos Grassi de “Propuesta decoraciones”
Vestuario: Laura Olguín, Silvia Dellarosa y Rosa Ochoa
Actores principales: Lydia De Ricco, Hugo Lerda, Érica Gambardé, Graciela Radil, Marcelo "Koto" Bonalume, Alejandra Belluccini, Hugo Capoduro, Daniel Nebreda, Sandra Rosso, José Virgolini, Gabriel Fava, Elsa Dimarco, Chano Mansilla, César Covi, Edith Monina, Coco Martini, Héctor Pagani, Artimindo Rosso, Juan Carlos Grassi, Fernando "Turco" Abraham, Manolo Ardid.
Los lugares donde se grabaron las escenas son: en la Municipalidad de Marcos Juárez, en la Alianza Francesa, Propuesta decoraciones, El Viejo Bar, Patané, Cinema Shop, Polisol, El Tablón (en los altos de la Sociedad Española), casas particulares y en las calles de Marcos Juárez.

“Vecinos en acción”




Una historia de vecinos que luchan con la ley del más fuerte.
Es una producción realizada por adolescentes de 15 años. Con el ingenio para hacer historias, actuarlas, dirigirlas, editarlas, sin que nadie les enseñe, solo, tuvieron la fuerza del espíritu creativo.Sus cortos están en Internet y más de 14.000 personas lo vieron.

Los chicos son: Gastón Guerini, Alexis Della Santina, Federico Pereyra en Guión, dirección, actuación y cámara. La edición está hecha por Gastón Guerini.

Los lugares donde se grabaron las escenas son: casas particulares, calles de Marcos Juárez y el Parque Loinas.

En la actuación colaboraron:
Leandro Cavallera, Juan Pablo Pereyra, Florencia Pereyra, Gonzalo Guerini y Juan Manuel Mónaco.

El motivo de está muestra colectiva, que ellos titularon “Made in casa” es buscar la colaboración de todos para realizar un nuevo corto. Juan Manuel Mónaco, Gastón Guerini y Silvana Bittel son los creadores del corto “El día sin Fin”, donde veremos a esta ciudad de Marcos Juárez en sus comienzos.


Contacto: Silvana Bittel
(cel 15465253, para cualquier información)

La rebelión de la felicidad

CANTANDO BAJO LA LLUVIA (Singin' in the rain. EEUU 1952). Int.: Gene Kelly, Debbie Reynolds, Donald O'Connor. Dir.: Stanley Donen/ Gene Kelly. Dur.: 103' .

VIERNES 7 DE AGOSTO - 22.00 hs- BIBLIOTECA LIDIA CESANELLI. 24 de Septiembre 1085
Entrada: $2





1. Mudanza invernal.


Y sí, le hicimos caso a José Larralde y nos fuimos pal' sur, haciendo honor a la propuesta de la gente de la Biblioteca Lidia Cesanelli, que fue donde tiempo atrás naciera en su primer generación A Ojo Yeno Cine Club. Cambiamos un poco de ambiente, nos rodeamos de libros y seguimos con el placer de....mirar. Por ahí andaremos por un tiempo si todo va bien y no molestamos, así como tenemos a la Montpellier como refugio maternal que dió a luz nuestro segundo tramo a puro cine. Los esperamos a todos en el cálido refugio de la biblio.



2. Para qué cornos intentar ser felices?


Cataclismos varios y oscurantismos de distintos tonos casi todos ocres hacen que este mundo se vuelva un permanente dolor ahí desde el momento en que nos enchufamos a la tele, radio, compu, en fin, la vida social en sus distintas formas incluída aquella antigua llamada simplemente "reunión", donde uno se desasna de las novedades.

Y las pálidas vuelan. Y no siempre por capricho perverso de coquetear con el horror y el masoquismo. Las cosas no están bien en ningún lado y uno en algún momento debe salir de la pila de frazadas a enfrentar la realidad.

Tampoco lo estaban en los años 20, cuando salieron a la luz los musicales en el cine que osaban intentar ensanchar el arroyito de agua fresca, y menos en los 30 y así. Aún en un mundo convulsionado que arrancó de contramano el ya tan lejano (!!) siglo XX, existieron los Keaton, los Chaplin, los Laurel & Hardy. E'cir mexplico, los dark y los esperanzados, los nihilistas y los creyentes, todos tuvieron desde hace mucho tiempo su lugar bajo el sol (o escondidos de él en el caso de los dark). Ponele que algunos ahora se noten más coloridos y otros más pálidos y blanquinegros en sus tonos contrastantes de piel y pilcha.

Además de aquellos locos mencionados, también existieron Fred Astaire y Gene Kelly, entre otros capos de la danza cinética. Cuerpos en libertad, espíritus rebeldes que en el ímpetu del desenfreno del movimiento eran verdadera resistencia en tiempos de guerra y tristeza.
Al Fred lo dejamos para más adelante porque hoy, haciendo un nuevo giro en la programación del Ojo, nos entrometemos en la comedia musical trayendo la conspiración de felicidad más grande que haya dado el cine: Cantando bajo la lluvia.



3. Cuerpos en estado de gracia


El film se sitúa en 1927, donde el aún muy joven espectáculo cinematográfico sufre su primer salto tecnológico: el sonido. Don Lockwood (Kelly) acaba de pasar de ser un doble de riesgo a exitoso galán romántico. Pan comido agregarle su varonil voz. Claro que su compañera de rubro queda descolocada al tener una voz horrible, por lo cual deberá ser doblada por una aspirante que como tal, quiere llegar a mayores y para colmo, hace excelente pareja con Don. Con esta base, el tándem Kelly/Stanley Donen armó un homenaje sentido, vigoroso, imparable y divertido a quienes iniciaron el camino del cine en su etapa muda, y de paso a los primeros musicales que fueron sello distintivo del cine norteamericano primario. Y por siempre.


Tres para el show. O'Connor, Reynolds, Kelly: inmensos payasos en estado de gracia, cuerpos eléctricos y voces mágicas para darle el monumento definitivo al cine musical.

Cantando bajo la lluvia bien puede funcionar como ese disco o canción que necesitás como una aspirina para el dolor de balero, en el momento justo, cuando cae el bajón. Y que como tal debés tener a mano. Los instrumentos funcionales para esto son varios, pero el corazón es aquel maestro de la risa perenne que fue Gene Kelly. "Gene es el dinamismo y la alegría, la vida en su apogeo, la utopía de la eterna juventud y los sueños en marcha. Gene es la risa", define apropiadamente Eduardo Rojas en la revista El Amante Cine. En el film, los números musicales no van caprichosamente intercalados como en tantos musicales donde en determinado momento el actor comienza a cantar. Como nunca, están enhebrados en un artificio donde se encuentra el cine en su estado más puro.

Otros instrumentos de este monumento al buen humor es la incomparable Debbie Reynolds, símbolo de la comedia americana de los 50, excelente cantante y bailarina. Y para quien suscribe, con todo lo dicho sobre Kelly y demás, sobresale especialmente además un personaje que jamás tendrá su lugar en el parnaso de los bailarines como Astaire o Gene. Me refiero a Donald O'Connor, un payaso en estado de gracia incomparable que nos regala, en un momento en que quiere levantarle el ánimo a Don, un cuadro al borde del colapso hiperkinético llamado justamente "Make'em laugh" (Hacelos reír), que quienes gusten pueden chequear íntegro en este link http://www.youtube.com/watch?v=FW02c5UNGl0 , o en nuestro espacio de Facebook (A Ojo Yeno Cine Club). Y otra cima memorable por supuesto es la que da nombre al film, con GK chapoteando a gusto hasta que....un cana lo mira admonitoriamente y se acaba la felicidad. Todo un mensaje. Y las piernas de Cyd Charisse....para qué más palabras, basta la imagen siguiente, una de las definitivamente distintivas del cine musical de todos los tiempos.





Y violín en bolsa, invitamos a quien quiera a un atentado a la mueca decadente, a trocar el vino triste por el vino alegre que sabe mejor, a redescubrir un género que en esa década tuvo sus mejores exponentes y a sus ya maduros genios en pleno brillo y gracia. Y gracias a ellos.




Andrés del Pino

TRIVIA

- A propósito del número central de Cantando bajo la lluvia, cuando lo filmó Kelly volaba de fiebre pero no quiso arruinar los preparativos. Eso sí, el memorable cuadro de la lluvia fue filmado en una sola toma y mayormente improvisado en su coreografía, tras lo cual GK se mandó rajando a la cama tranquilo.

- Algo similar sucedió con el extraordinario número "Make'em Laugh". Kelly le sugirió a O'Connor que haga dentro del número algo que hacía frecuentemente en su juventud de bailarín, que era dar una vuelta completa "caminando" por una pared y haciendo vuelta carnero describiendo un círculo completo. En esos tiempos, O'Connor fumaba la friolera de cuatro atados y tuvo que ser hospitalizado una semana luego de terminar de filmar el cuadro

- No todo fue tan feliz: cuenta la leyenda que Kelly era muy perfeccionista y que en este film bardeó de lo lindo a Debbie Reynolds y que Donald O'Connor estaba aterrorizado de cometer algún error. De hecho, la Reynolds aseguró alguna vez que dar a luz y trabajar en este film fueron las cosas que más le costaron en la vida.

- En 2007, el Instituto Americano de Cine designó este film en el puesto 5 en una lista de las mejores películas de todos los tiempos.

Qué hiciste tú cuando eras análogo, tío Steven?

RETO A MUERTE (DUEL. EEUU 1971). Int.: Dennis Weaver. Dir.: Richard Matheson. Dur.: 90' .

VIERNES 31 DE JULIO - 22.00 hs- Academia Montpellier - Jujuy 671 - Marcos Juárez.

Entrada: $2

El hoy mogul y multimillonario del cine Steven Spielberg alguna vez (1971) tuvo 24 años y una terrible desesperación por demostrar que él, criado entre las sombras del cine y las sombras de la pieza donde estaba el televisor, podía ser un diestro narrador de historias similares a los cuentitos de la Dimensión Desconocida, de terror, de misterio. Bah de julepes varios.

Y tanta insistencia tuvo su premio y ganaron Steven.....y el cine y nosotros. Algún capítulo de la serie Columbo, uno de Galería Nocturna (desprendimiento tardío y menos eficaz de la Twilight Zone) y un telefilm que le abrió crédito: algo de talento tenía que tener este ansioso joven si conseguía mantener a los esquivos televidentes pendientes de una historia que tenía como protagonistas excluyentes un viajante y......un camión sin conductor.

Tanto funcionaron las mediciones de rating que tuvo que expandir tiempo después los exactos 74 minutos a 90 para que se reestrene en EEUU en cines así como en otros países, entre ellos Argentina. Cuatro años después, Spielberg dirigía TIBURÓN, y de ahí en adelante el camino estuvo pavimentado en oro.

Una suerte de Messi del cine, a Spielberg le tiraron un cuentito y demostró que estaba para las grandes ligas. Hoy es millonario pero detrás de sus films caros también hay historias bien contadas. Y hasta una visión del mundo conflictivo de hoy.


A partir de un cuento corto de Richard Matheson (venerado autor de muchos capítulos de la citada Dimensión Desconocida y de la novela Soy Leyenda, que tuvo una versión reciente con Will Smith), asistimos al vía crucis de un conflictuado viajante por un solitario camino donde predominan montañas, muy poco tráfico y largos tramos sin estaciones de servicio. A partir del (fortuito?) encuentro con un gigantesco y oscuro camión petrolero sin conductor detectable se desarrollará un duelo (tal el título original del film) en una infernal persecución donde Goliath parece dar vuelta los tantos y hacer prevalecer las dimensiones.



Con este poquito de historia y mínimas herramientas, Steven Spielberg mostró de chico su garra para utilizar elementos hitchcockianos, poner la cámara en lugares jorobados (épocas en que no existía la steadycam ni la flycam ni ningún artilugio de efectos computarizados) y mantener el suspenso por el desarrollo de la historia. Algo parecido luego haría con Tiburón, con lo cual quedaría probado que por más que hoy se dé el lujo de gastar millonadas en efectos detrás hay un diestro narrador para dejarnos tranquilos y que el cine sigue teniendo su lugar más allá de los artificios.



Vale la pena sentarse como acompañante del pobre Dennis Weaver para aprender como en un manual cuáles son las claves para contar un cuentito con mínimos recursos. Eso sí, abrocharse bien el cinturón que el paseo es arduo y los precipicios altos.



Andrés del Pino

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TRIVIA

- Cómo se inspiran los escritores




Dato plus sobre Matheson y la idea de escribir esta "short story": El escritor y guionista se encontraba jugando golf con un amigo cuando escuchó por primera vez la noticia acerca del asesinato del presidente Kennedy. Consternados por la situación, él y su amigo decidieron volver rápidamente a casa. Mientras cruzaban un estrecho camino cercano a Simi Valley, un camión se acercó demasiado a su automóvil. El escritor al percatarse de esto, aceleró el vehículo sólo para darse cuenta que el camión también comenzaba a acelerar. Debido a la tensión causada por los acontecimientos ocurridos aquel día, Matheson y compañía terminaron saliéndose del camino. Todo esto sirvió para que el escritor incubara una idea que presentaría a un buen número de productores de series de televisión, sin que este lograra mayores resultados. Siete años después, Matheson escribió la novela corta “Duel”, basada en aquella idea, la cual fue publicada en la edición de abril de 1971 de la revista Playboy.

- Filmada en apenas 13 días, Steven Spielberg dijo que muchos críticos de cine europeos han querido encontrar elementos abastractos en el film tales como la lucha de clases en Norteamérica, pero el mismo prefiere considerar al film como una versión de "A la hora señalada" (western donde un solo hombre debe enfrentar una pandilla) sobre ruedas.

VIAJE A LO INESPERADO

AL FILO DE LA REALIDAD (TWILIGHT ZONE, THE MOVIE. EEUU 1983). Int.: Dan Aykroyd, John Lithgow, Vic Morrow. Dir.: John Landis, Steven Spielberg, Joe Dante, George Miller. Dur.: 100' .

VIERNES 24 DE JULIO - 22.00 hs- Academia Montpellier - Jujuy 671 - Marcos Juárez.

Entrada: $2 (más barato que un barbijo y ni te cuento el alcohol en gel).

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Volvemos y como la cosa viene de vacaciones, los invitamos a un programita ligero, una montaña rusa de aventura, terror, comedia, bla bla bla, vió, una suerte de matiné pero de noche.



Había una vez, a fines de los 50', una mente afiebrada, un personaje llamado Rod Serling, ex militar, ex boxeador, veterano de la segunda guerra mundial y guionista de cine y televisión. Eran los tiempos dorados de la tele cuando Serling, especialista en tener a su turno pesadillas e insomnio, dibujó ese mundo deforme que mezcla todos los mundos posibles del sueño, la realidad y la alucinación en aquella serie llamada "La Dimensión Desconocida" (Twilight Zone, algo así como la zona del crepúsculo), que duró desde 1959 a 1964, 148 episodios que se volvieron con el tiempo objetos de culto y hoy son joya en las descargas de la web.



La Twilight Zone original: espeluznante, llena de locura y creatividad


Tipos que aparecen en pueblos desiertos sin recordar ni cómo se llaman, desperfectos en el camino que desembocan en un paseo a la niñez como si se la viviera de nuevo, hipocondríacos que venden el alma al diablo por la inmortalidad, un hombre que al fin encuentra paz para leer tranquilo luego de una guerra nuclear, astronautas que vuelven a la tierra pero con algo que los intranquiliza, una mujer que encuentra en un largo camino rutero siempre al mismo personaje haciendo dedo, etc etc, por supuesto con sorprendentes finales y moralejas. Esta serie dio escalofríos varios en aquellos tiempos y aún hoy es increíblemente fresca en su creatividad, influyendo claramente en joyas de la tele actual como Lost, Expedientes X, Fringe y otras tantas.



A principios de la década del 80, un ya consagrado Steven Spielberg (en esos días dirigía ET) decidió despilfarrar unos bienhabidos dólares produciendo un homenaje a aquella serie y convocando a amiguetes que, como el, fueron freaks de la tele en la juventud. Es así que se sumaron John Landis ("Animal House", "Blues Brothers"), Joe Dante ("Aullidos" y posteriormente las geniales Gremlins I y II entre otras joyas) y George Miller, australiano que recién había asomado con Mad Max, impresionante estudio de la violencia futurista.

El tío va a hacer el truco del sombrero y.....

Joe Dante en su salsa de terror e historieta que perfeccionaría poco después en Gremlins

Del proyecto, que no fue muy exitoso y tuvo hasta un penoso accidente que le costara la vida al actor Vic Morrow (el sargento de la serie "Combate"), surgió un film que aunque desparejo es una rareza muy disfrutable que intercala el mundo onírico y tierno del primer Spielberg, la locura de Landis, el fanatismo de Dante por el cine de terror y el comic en mezcla anárquica, y la destreza de Miller. Cuatro capítulos (en menor o mayor medida adaptados de originales de la mismísima serie) para divertirse como en matiné, a saber: un típico yanqui racista y xenófobo que pasa las de Caín perseguido por nazis, el KuKluxKlan y un pelotón de soldados norteamericanos en Vietnam sin entender nada, un hogar de ancianos que recupera la juventud mágicamente, un niño fanático de los cartoons con extraños poderes y una siniestra familia, y un asustadizo pasajero de un avión que cree ver cosas raras.

Paren que me quiero bajar. John Lithgow en pánico total. Es que nadie le cree?

Lo dicho, un rato de aventuras varias, el recreo juvenil de un dream team de directores y el recuerdo de una serie que hecha en su momento con dos mangos, blanco y negro, y mucha cabeza, hoy sigue siendo novedosa.

Andrés del Pino

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Trivia:

- La frase en off que sonaba al principio de cada capítulo con voz tenebrosa (en el original era el mismo Rod Serling, que presentaba los episodios en persona) decía algo así como: "Usted se encuentra viajando a través de otra dimensión. Una dimensión no solamente de visión y sonido sino de la mente. Un viaje en una tierra alucinante cuyos límites son la imaginación. Próxima parada, la Dimensión Desconocida".

- Posteriormente se hicieron nuevas versiones de la serie (alguna va esporádicamente por el canal Space) pero sin éxito. El mismo Serling creó "Galería Nocturna" -debut de Spielberg en televisión en 1969- que duró bastante poco. Hoy se habla de Leonardo Di Caprio protagonizando una nueva versión de Twilight Zone en cine. Y bueh, ya no queda nada sagrado.

- El título con el que se la estrenó acá es "Al Filo de la Realidad", tan trivial como cercano al espíritu de la serie de Serling.

Intervalo. Se puede salir a fumar

Amigos /socios /seguidores /cinéfilos /cinélocos/ etcéteras:

En razón del domingo de elecciones nos abstenemos.

No!

No, de votar, jamás!!!!

Sino de hacer nuestra función, de la cual a la altura de tipear esto ya estarían enterados de la programación.

También nos sirve este parate para ir sondeando algunas alternativas de hacer rodar nuestro cine club por algunos otros lugares de la ciudad sobre el cual a través de este blog y el facebook y los mails (ay che, nunca un telefonazo eh, a lo que hemos llegao) van a estar informados.

Como en aquellas épocas en que don Pino Solanas veía su Hora de los Hornos ser inmortalizada en proyecciones clandestinas en lugares imprevisibles y con un campana en la puerta porque eran tiempos jodidos. Ahora no es que sean tiempos jodidos, por el contrario la idea es rebotar la propuesta por otros lugares sin olvidar a los que vinieron sudando y enfriándose desde que empezamos hasta estas últimas funciones...

Además, ya tenemos en ciernes una invitación a un festival de cortos a los cuales queremos que todos vayan, ya se vienen las noticias.

Gracias y más gracias y seguimos en contacto !!! y votar con la zabeca y el corazón para no hacer otro papelón!!!

Los del Cineclub.

EN LA RED DEL PODER Y LA LOCURA

NETWORK, PODER QUE MATA (NETWORK, EEUU 1976). Int.: Peter Finch, Faye Dunaway, Robert Duvall, WIlliam Holden. Dir.: Sidney Lumet. Dur.: 120' .

DOMINGO 21 DE JUNIO - 19.00 hs- Academia Montpellier - Jujuy 671 - Marcos Juárez.
Entrada: $2 (más barato que una botellita de agua supuestamente mineral)

Sidney Lumet, a sus 84 años, acaba de estrenar una joyita llamada "Antes que el diablo sepa que estás muerto", joven ejercicio del drama policial. Sigue en actividad aunque esporádica luego de treinta y pico de años de darnos brutales denuncias sobre la justicia (Doce hombres en pugna, Veredicto), la corrupción policial (Sérpico, Príncipe de la ciudad) y los dramas urbanos con increíbles toques humorísticos (Tarde de Perros). Todos típicos "peliculones".

Aunque menos conocido, NETWORK es un film igualmente feroz y contundente en su apreciación de la televisión como un medio empoderado y embanderado con sectores de intereses inconfesables o, mejor dicho, intocables. Suena a actual o no, en estos momentos de campañas políticas y manejos de medios en forma descaradamente dirigida y sesgada?.

A la vez, profetiza una tele-basura que hoy tal vez ha superado toda perspectiva en estos últimos treinta y pico de años desde que el guión de Paddy Chayefsky (veterano guionista de televisión y cine, conocedor del paño) proponía una visión de deshumanización de periodistas y público y ratings a cualquier precio. Un temprano aviso de lo que iban a ser los reality shows en nuestra época, pero en este caso involucrando a los propios protagonistas de la "caja boba".

La historia nos muestra a un veterano periodista, Howard Beale, que encima de tener una vida perra lo despiden por bajo rating, tras lo cual anuncia su suicidio en cámaras. De un momento para el otro los índices de encendido del canal suben y Beale será el monigote desaforado, suerte de profeta y sacerdote televisivo invocando a las masas a......odiar a la televisión. Todo esto narrado en un crescendo que bordea lo lunático, con la diferencia que los lugares donde todo ocurre son sitios donde se maneja mucho poder y mucho dinero. NETWORK, a la vez, nos toca el hombro para decirnos que como público, efectivamente, el poder de apagar la tele es nuestro pero muy poco lo ejercemos. De ahí la habilidad de esos sectores de poder de sacar partido de un medio convocante y alienante.

DIOS DEL TUBO CATÓDICO. "La televisión no es la verdad, es un maldito parque de diversiones. Es un circo, un carnaval, una troupe viajera de acróbatas, cuenteros, bailarines, cantantes, malabaristas, fenómenos, domadores de leones y jugadores de fútbol. Estamos en el negocio de matar el aburrimiento".

Oscar póstumo y alucinante trabajo de Peter Finch

Un elenco excepcional integrando por dos grandes que ya entraron en la historia como Peter Finch y William Holden, así como Robert Duvall y Faye Dunaway, sumado al ya citado talento de Lumet y Chayefsky para un film que da escalofríos por lo actual.

AdP

El maestro juega al ahorcado

LA SOGA (Rope, EEUU, 1948). Int.: James Stewart, Farley Granger, John Dall.

Dir.: Alfred Hitchcock. Dur.: 80'.

DOMINGO 14 DE JUNIO - 19.00 hs- Academia Montpellier - Jujuy 671 - Marcos Juárez.

Entrada: $2 (más barato que un par de medialunas)

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Al fin, después de unos meses de ablande, A Ojo Yeno tiene el orgullo de arrimar al maestro no sólo del suspenso sino de gran parte de esa cosa llamada cine: Alfred Hitchcock.

Y no lo hacemos con sus más reconocidas obras (Psicosis, La Ventana Indiscreta, Vértigo y un gran puñado más) sino con una rareza por múltiples razones, entre ellas dos: es el primer film en color de AH y a la vez, aquí reniega de uno de sus mayores talentos: el manejo del montaje para controlar y provocar a gusto las sensaciones del público. En LA SOGA, por el contrario y para divertirse seguramente, filmó ocho rollos de diez minutos (o sea, son ocho tomas) buscando fondos lo más neutros posibles para enganchar una y otra toma, prescindiendo de la edición.

El film, basado en una obra teatral de Patrick Hamilton, nos muestra a dos jóvenes estudiantes un poco tocados, Philip y Brandon, que deciden autodenominarse seres mentalmente superiores y por ello toman cuenta de un compañero, para luego exacerbar la emoción invitando a cenar a su cínico profesor Rupert Caldwell, quien considera que el crimen "debería ser un arte reservado a quienes son seres superiores", y demostrarle que puede existir el crimen perfecto.

El trío protagonista. El gran Jimmy Stewart, como el profesor que no sabe cuán lejos llegó su concepto de arte y crimen. Farley Granger (izq.) siguió filmando hasta hace muy poco, y pasados los 80 vive feliz, retirado y escribió su autobiogafía, "Inclúyanme afuera"

El complicado set armado por Hitchcock (el gordito con las manos en el bolsillo) y sus secuaces para hacer cine de suspenso en un mínimo espacio. Sudaron bastante, dicen.

El film fue rodado íntegramente en un departamento, logrando transmitir la sensación de ansiedad y claustrofobia tanto en Philip, inestable en su estado de ánimo, como en el mismo público que (un recurso frecuente de Hitchcock) ya sabe todo, más que los protagonistas que no pueden escuchar su advertencia. Un asfixiante juego de gato y ratón que a sesenta años sigue demostrando su inventiva en un recreo minimalista del genio inglés. Por otra parte, no han sido pocos los desafíos de actores y técnicos para moverse y mover cámaras y luces en tan pequeño entorno y sobre todo en épocas de sonido directo. Otra apuesta fue para Hitchcock tomar una obra teatral y, aún con una puesta limitada escénicamente, mantener el clima cinematográfico.

Indudablemente una rareza no solamente en la obra hitchcockiana sino también en el cine de suspenso, de la cual aún hoy se puede aprender, además de disfrutar una vez más de un irreemplazable James Stewart, junto a un elenco exigido a un ejercicio difícil: trabajar casi sin cortes manteniendo el tenso clima de la trama.

AdP

Trivia

Este film en español se tituló "Festín Diabólico", en referencia a la cena que sirven los jóvenes para agasajar a su profe en el mismo lugar del crimen.

Cual es tu problema, nene?

DONNIE DARKO (EEUU, 2001). Int.: Jake Gyllenhaal, Patrick Swayze, Maggie Gyllenhaal. Dir.: Richard Kelly. Dur.: 113'.

DOMINGO 7 DE JUNIO - 19.00 hs- Academia Montpellier - Jujuy 671 - Marcos Juárez.


Donnie Darko no se lleva muy bien con nadie, familia, amigos, compañeros de colegio. SOlamente con Gretchen. Como todo chico problemático, lidia con una psiquiatra que lo hipnotiza para sacar a flote sus secretos ocultos: claro, no cualquiera sueña con un conejo que te dice hora y minuto del fin del mundo y te hace comentarios precisos sobre la realidad y el futuro inmediato.

Muy conflictuado y alterado, Donnie pelea solo contra todos mientras busca nada menos que el misterio del universo y su probable destrucción. Pero no en un film catástrofe, sino en una comedia negra americana típica del cine independiente de EEUU, en barrios lindos con familias (supuestamente) hermosas. El sueño americano. O la pesadilla.

Interesante y perturbador film no estrenado ni editado en dvd en nuestro país pero que a merced de internet se ha vuelto objeto de culto, y que al igual de los films de otro inconforme (Todd Solondz, el de "Happiness"), echa mano a recursos no habituales que llevan a la cinta a los terrenos del drama violento, el terror y la ciencia ficción.
Los hermanitos Gyllenhaal.

Confiables para cualquiera, hasta haciendo de...hermanitos odiosos

Gran parte del mérito es el rostro de Jake Gyllenhaal, más conocido por "Secreto en la Montaña", la de los cowboys amantes, que imprime una máscara increíble a su Donnie Darko. EN el rol de su hermana, Maggie Gyllenhaal -es decir su hermana real- demuestra por qué es tal vez la mejor actriz de su generación. Lo raro es que las carreras de ambos ahora famosos hermanitos no despegó precisamente con este film difícil, oscuro, inventivo. Y sí, provocador.

AdP

Lo que se cae de maduro

Antes del Atardecer (Before Sunset, EEUU, 2004). Int.: Ethan Hawke, Julie Delpy. Dir.: Richard Linklater. Dur.: 80'.
DOMINGO 31 DE MAYO - 19.00 hs- Academia Montpellier - Jujuy 671 - Marcos Juárez.



Una segunda oportunidad


Claro, de madurez se trata el asunto. Se caía de maduro que luego de Antes del Amanecer viniéramos con Antes del Atardecer.
Simplemente porque, gracias a Dios, la filmaron.
Porque, gracias a Dios, es maravillosa,
y porque, gracias a Dios,
(o a fin de cuentas en todo caso llenar el espacio en blanco),
al fin el asunto de hacer una saga o segunda parte o continuación tiene pleno sentido y es orgánica y funcional para una historia tan bien planteada como la que vimos en la primer película.


Pero no se caía de maduro que la iban a hacer. No. A pesar que el final de "Antes del Amanecer" nos dejaba con las ganas, Linklater no es un cineasta común de Hollywood. Eso se nota en el film que vimos el domingo pasado y podríamos decir en cualquier otro de los suyos. No le iba a salir porque sí un "Antes del Amanecer 2".
Pasaron nueve años para que él, Ethan Hawke y Julie Delpy se sentaran a pensar "uy y qué pasaría si....", garabatearan un guión brillante y nos permitieran reencontrarnos con Jesse y Celine, a la vez que ellos vuelven a verse después de un tiempo. Unos años. Exactamente los mismos que pasaron entre uno (1995) y otro film (2004). Los rostros de los actores crecieron con los de sus personajes. Alucinante.


Y ya están más.........maduros. Y lo que antes eran los sueños y las ansias y los deseos y la rebeldía de veinteañeros ahora son la dura realidad enfrentada y confrontada entre estos dos personajes de distinto sexo, nación y cultura que el azar de un tren los juntó para que los acompañemos un rato y fueramos testigos de su paseo y su enamoramiento. Ahora, como dos viejos amigos, los volvemos a ver y ya no en una caminata por Viena durante poco más de doce horas. Aquí dura justamente lo que el tiempo real de la peli, un poco menos de hora y media. Emocionante como la anterior, así como comprometida, crítica, algo cínica como todo lo que madura mirando los cambios del mundo y de su propia vida.
Y encima Julie Delpy canta por ahí una cancioncita tímidamente y nos empaqueta y no queremos que nos dejen. Pero así es el cine.

Y también la vida.


AdP

OOOOLEEEEEEE...Del amanecer a la oscuridad total

Antes del Amanecer (Before Sunrise, EEUU, 1995). Int.: Ethan Hawke, Julie Delpy. Dir.: Richard Linklater. Dur.: 105'.

DOMINGO 24 DE MAYO - 19.00 hs- Academia Montpellier - Jujuy 671 - Marcos Juárez.

1. CRASH!

Estas cosas pasan che. Es más, es la primera vez. Por problemas técnicos tuvimos que suspender la función de Antes del Amancer pero igual dió para charlar un rato y quedamos para el DOMINGO 24 a las 19, aunque tengamos que traer a Ethan Hawke y Julie Delpy en persona para representarla.

Va a haber café y mate, habida cuenta de los cambios de horario en estas últimas funciones.

2. CAMPAÑA

Con el fin de cubrir algunos gastos fijos que surgen para poder mantener el Cine Club, están surgiendo varias ideas. Una de ellas va a necesitar de la más humilde pero valiosa colaboración de nuestros acompañantes en las funciones del Ojo Yeno.

Se trata por el momento de una mínima entrada de $ 2 por función que agradeceremos en la medida que puedan pagar. Si alguna vez no podés, todo bien igual...

Y crucemos los dedos y pongamos ajo y ruda y velas a nuestros santos cool que el domingo nos encontramos de nuevo y la vemos entera.

Ah! Por si no lo leíste, la info sobre la pelicula está en el post anterior

AdP

Los ra(p)tos que nos cambian la vida

Antes del Amanecer (Before Sunrise, EEUU, 1995). Int.: Ethan Hawke, Julie Delpy. Dir.: Richard Linklater. Dur.: 105'.


DOMINGO 17 DE MAYO - 19.00 hs- Academia Montpellier - Jujuy 671 - Marcos Juárez.


Alguna vez creo que Truffaut dijo (algo así) que hacía falta un par de tipos, una cámara y algo parecido a una historia para hacer una película. Richard Linklater, uno de los más confiables cineastas que conviven con la maquinaria choricera de cine de EEUU, se apropió de esta tan simple como eficaz y poco escuchada idea, en estos tiempos de espectacularidad y afán de demagogia y seudocontenidos. Hizo la famosa combinación "más fácil=más complejo".

Y ganamos todos, pero sobre todo el cine.


Jessie ya está por volverse a los Estados Unidos luego de recorrer Europa y, en un tan cómodo tren como cualquiera intereuropeo, entabla conversación con la francesita Celine, por total ....casualidad?. A qué será que atribuimos los impulsos que nos arreglan o nos desbaratan la existencia?. Buena onda entre los dos veinteañeros, como para Celine este es un recorrido casi rutinario, accede a hacerle el aguante al yanqui por la impresionante Viena hasta que se tome el avioncito de regreso a la potencia mundial.

Las relaciones humanas. Tema difícil si lo hay, y tantos análisis pretenciosos. Linklater lo convierte en algo sencillo y entretenido

Mientras tanto, caminata, mucha tela para cortar, muchas miradas, mucha conversa pero no de esa que te suena pretenciosa, aburrida, vaga o intelectualota. Y los silencios justos, los sueños que en esa edad tenemos y nuestras idílicas proyecciones de futuro, esa cosa amorfa que nos morfa. Ambos van encontrando coincidencias que exceden la atracción y las hormonas y ahí vamos nosotros, como terceros de arriba, testigos de este paseo.

Una joya de Linklater, fan del cine europeo que aportando climas de esas latitudes logra un mix justo para obtener algo casi imposible en el cine norteamericano: no pegarle una etiqueta justa al producto. No es una comedia, no es un drama, no es una de corazoncitos ni de nada, pero justamente, el tipo mezcló los ingredientes y mezclar no es revolver. Y tuvo en Ethan Hawke y Julie Delpy sendas torres de poder para bancarse la escena sin descanso y los matices que hacen que guardemos sus personajes en nuestros afectos.


Lo mejor de todo es que muy probablemente volvamos a encontrarlos. Y qué mejor que volver a encontrar a los amigos.



AdP

Vos estás al derecho, dado vuelta está el

Estados Alterados (Altered States, EEUU, 1980). Int.: William Hurt, Blair Brown, Bob Balaban. Dir.: Ken Russell Dur.: 102'.

DOMINGO 10 DE MAYO - 19.00 hs- Academia Montpellier - Jujuy 671 - Marcos Juárez.

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Estamos Alterados: cambio de día y hora

Así es, la primer novedad es que por razones de fuerza mayor tenemos que cambiar día y hora para seguir en nuestro lugar de siempre y sin mayor democracia que el voto de algunos que pasaron el viernes último, decidimos que a partir de la próxima función la cosa se va para el domingo a las siete de la tarde, mal que nos pese a quienes seguimos teniendo esperanza en que el fútbol argentino resucite.

Ojalá puedan seguir viniendo y ojalá se sumen otros que a nuestro anterior y más bohemio horario no podían concurrir. Eso sí, vamos a tratar y con la ayuda de ustedes, de empezar las funciones lo más exactos en el tiempo, así después no pega el bajón dominguero tan tarde, que siempre un lunes acecha en nuestras vidas. Ahora sí, vamos a la locura russelliana que pega más pega más.

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1. Agarrando lo broli vemos en líneas generales que:

en términos generales, un estado alterado de consciencia puede definirse como un estado mental que puede ser reconocido subjetivamente por un individuo, o por un observador, como un estado diferente del estado normal del sujeto, ya sea por variaciones psicológicas o del estado de alerta propio de la vigilia. Es posible detectar, entre otros, estados como: normal, sueño, dormido, hipnagógico (al borde del sueño), hiperalerta, letárgico, de rapto, de histeria, regresivo, trance, meditativo, etc etc etc.

Los estados de conciencia alterados muestran la existencia de niveles o fases de vigilia distintas. Estos niveles pueden ser inducidos y alterados de forma artificial o patológica.
Inducidos mediante drogas y alucinógenos, o una práctica (discusión, autosugestión, deporte, hipnosis, meditación, etc,). Cerramos el broli, vamos a la peli.

2. El verdadero Yo: la montaña rusa de la mente humana

"Ahora sé dónde está el Yo. En nuestra propia mente. Es una forma de energía humana. Nuestros átomos tienen seis billones de años de edad. Tenemos seis billones de años de memoria en nuestras mentes"

Eddie Jessup (William Hurt), joven e inquieto científico de Harvard, está obsesionado con el cerebro humano, lo que almacena, sus impulsos y su potencial, por lo cual está decidido, mal que les pese a sus colegas y amigos que lo acompañan, a experimentarlo todo y ser su propio conejillo de indias para llegar a la verdad absoluta, si no a la locura. Los diferentes estados de conciencia los buscará tanto a través de un tanque de aislamiento donde flotará en una solución acuosa y con algunos electrodos que harán un mapeo de su viaje, así como con hongos alucinógenos bien en plan Castaneda.

Todo bien con esta idea de sacarle chispas a su masa encefálica, pero no le va a ser fácil a la hora de volver a hacer pie en el mundo real. El mote de científico loco, nunca mejor puesto. Siempre en la mente humana cabe la duda de qué otras cosas podemos ser o sentir además de nuestra rutina planificada, no?. El bueno de Eddie va y despierta a su bestia interior. Y abre las puertas, al pasar, a todos los planteamientos religiosos que desesperan al ser humano. Todo en una película? No será mucho?

El vértigo de la mente humana, un viaje de locos: un trip taquicárdico, una suerte de Star Wars dentro de la cabeza humana. Valiente intento cinematográfico de Russell con mucho de locura propia



Este film rodado en 1980 constituyó uno de los últimos exitosos de un realizador inglés hoy casi olvidado y tan loco como Jessup. Se trata de Ken Russell, a quien debemos cumbres de la grandilocuencia como Los Demonios, Tommy (la ópera rock de The Who), Gothic, además de biografías en cine de músicos clásicos como Mahler, Liszt (Lisztomania), Tchaikovsky (Music Lovers) o extremos desaforados como "Crímenes de Pasión" y "Valentino", biografía del actor de los años 20 a cargo nada menos que de Rudolf Nureyev.



El estallido visual de "Estados Alterados" busca someter al espectador a un viaje alucinante (nunca mejor dicho el término!) por la mente de Jessup, plena de delirios y divagues, con el plus del típico efectismo de Russell, entregándonos una paradoja: una película de ciencia y ficción donde el show se apoya en documentos, ya que todas las experiencias a las que se somete el científico han sido realizadas entre otros por un neurofisiólogo norteamericano llamado John Lilly (1915-2001), inclusive la famoso tanque de aislamiento, algo que ya se está usando para terapias de relajamiento. Que no es precisamente lo que consigue el protagonista de Estados Alterados.

AdP



Trivia

-Ah, les gustó eh?. En una entrevista, la coprotagonista Blair Brown dijo que muchos de los actores y equipo del film intentaron la experiencia del tanque de aislamiento, y que William Hurt alucinó y ella encontró la experiencia como muy pacífica.

-El film está basado en una novela de Paddy Chayefsky, reconocido escritor y guionista de films como Network y Marty. La novela está basada parcialmente en las experiencias de Lilly.

- Film debut para dos futuras estrellas: William Hurt, que ganaría el Oscar poco tiempo después por El Beso de la Mujer Araña, y Drew Barrymore.

La venganza es un plato que se sirve frío (Traé pasaporte #4)

Oldboy (Corea, 2003). Int.: Min-sik Choi, Ji-tae Yu. Dir.: Park Chan-Wook Dur.: 120'.
Viernes 1 de Mayo - 22.30hs - Academia Montpellier - Jujuy 671 - Marcos Juárez.

Cerramos a toda hiperkinesis y locura un ciclo que nos había salido tranquilito, que vamos a hacerle. Nuestra primer incursión en cines exóticos culmina con este film coreano que hizo su recorrida festivalera promoviendo elogios varios y aquí tuvo su respetable éxito en críticos y público pero siempre en soporte dvd, nada de salas cinematográficas como ocurre con el 95% del cine extra-estadounidense.

Oldboy arranca como un cachetazo sin saludar ni pedir permiso y nos hace testigos de la pesadilla de Oh-Dae Su, contada en flashback vertiginoso durante un par de horitas muy movidas, creativas, sorprendentes, locas, divertidas, crueles, y todo otro adjetivo vecino para licuar y beber de un trago. Al tipo lo encerraron durante ¡15 años! sin noticia ni motivo, enterándose de poco y nada a través de la tele (claro, más bien nada, pero ...). Luego de accesos varios de locura, Oh se va a ir anotando las que se cobrará si sale con vida de este mal viaje alucinatorio, tiempo le sobra para ponerse en forma.

Tanta locura junta para sacar una cabalgata por los límites de la sanidad mental está basada en un manga del mismo título, y Park-Chan Wook, el director, abreva justamente en el comic, la novela negra, el horror asiático (obvio, eeeh) y el más remanido cine de acción y venganza para hacer un plato fuerte muy recomendable para, como se suele decir, los que busquen emociones fuertes, con las prevenciones para los que tienen estómago un poco delicado. El cine coreano pinta muy bueno y junto a Park hay algunos buenos autores para ir investigando.

AdP

Trivia:

1. A Park Chan-Wook le va esta cosa Bronsoniana de la venganza. Oldboy fue realizada en medio de un díptico compuesto por los films "Simpatía por el Sr. Venganza" (2002) y "Simpatía por la Dama Venganza" (2005). No perdona una.

2. Nada es sagrado: Oldboy tiene apenas cinco o seis años, y ya en EEUU están planeando una remake para 2010 dirigida por un tal Justin Lin, perpetrador de un par de los films de la saga Rapido y Furioso. Después de ver la original, te vas a dar cuenta por qué es tan fácil adivinar que la nueva versión va a ser una porquería.

Sencillo y complicado como la vida. O el cine (Traé Pasaporte #3)

Detrás de los Olivos (Irán, 1994). Int.: Mohamad Ali Keshavarz, Farhad Kheradmand. Dir.: Abbas Kiarostami. Dur.: 103'.

Viernes 24 de Abril - 22.30hs - Academia Montpellier - Jujuy 671 - Marcos Juárez.

Uno de los experimentos más interesantes de AOjoyeno (dentro de unas cuantas cosas interesantes que nos deparó hasta ahora este Cineclub) fue el de hace un par de semanas cuando arrancamos este ciclo con un viejo film de Abbas Kiarostami, nunca estrenado oficialmente en nuestro país (ver post más abajo para mayor data). Esta vez nos pusimos contentos pero no por el lleno de la sala, al contrario, vinieron menos, justo era viernes de pascua. La reacción del público ante una muy simple, mínima historia (un chico buscando la casa de un compañerito de escuela para devolverle el cuaderno) fue de sorpresa unánime y nos confirmó que arriesgar con estos cines de latitudes exóticas puede ser útil y productivo para los fines de nuestro querido espacio de los viernes.

Detrás de los Olivos cierra siete años después una trilogía de que comienza justamente con el film visto recientemente en el Ojo (Dónde queda la casa de mi amigo?), que se instala en el pueblito rural de Koker, donde poco tiempo después de la filmación de ese primer film se registró un fuerte terremoto. El segundo film (La vida continúa) nos muestra a un actor encarnando al propio Kiarostami, viajando a Koker a ver si los chicos protagonistas se salvaron. Y este tercer film vuelve a enroscar realidad y ficción in-eternum: vemos la filmación de una película de Kiarostami -encarnado por otro actor-, el casting imposible, los cambios de actores y la dramatización de segmentos de la vida de un joven matrimonio en medio del drama post-sismo, encarnado por una pareja que tiene sus deudas de amor en la realidad.

Otra constante en el cine de Kiarostami: la tozudez de sus héroes anónimos, en este caso un enamorado que tiene que luchar con las costumbres familiares y religiosas de su propio pueblo para llegar a su amada. Dale, Hossein, que tanto va el cántaro a la fuente...

Todo esto como un juego de paradojas de la realidad y la ficción, repeticiones, paseos en auto y varios signos similares en toda la filmografía del iraní que es ya una figura saliente del cine a nivel internacional, escribiéndose numerosos trabajos sobre su tan particular obra. Una perlita que lo pinta entero como artista: en un seminario realizado en Sicilia en 1996, sostuvo que “filmar es eso que pasa en el espíritu. La técnica es accesoria, sin las ideas el cine no existe”.



Ver una película de don Kiarostami bien podría entonces ser una experiencia mística. De hecho sus personajes se toman sus tiempos para todo. Y la cámara también para seguirlos casi en estado alucinatorio. La secuencia final de Detrás de los Olivos es todo un tratado del cine y de los sentimientos. También entonces ver una película de AK puede convertirse en una seductora experiencia donde nuestro acostumbrado ritmo de espectador occidental baja las pulsaciones y se entrega al hechizo.


AdP

Data accesoria

- Los actores profesionales y no profesionales que utiliza AK se mimetizan tanto que muchas veces no podemos distinguirlos. Por otra parte, como es una trilogía, vemos a los protagonistas de alguna aparecer en roles secundarios en otra, donde a su vez le recuerdan su actuación. Algo de eso sucede con Ahmed Ahmedpoor, el protagonista de "Donde queda la casa de mi amigo?" (ver fotos en el post), a quien vemos más crecidito aparecer casi de casualidad en Detrás de los Olivos.